Pagagnini

Género: Concierto
Local: Teatro Albeniz
Dirección:  Ara Malikian 
Interpretes: Thomas Potiron, Eduardo Ortega, Gartxot Ortiz.

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PaGAGnini reúne en un mismo espectáculo la música clásica, el virtuosismo de Ara Malikian y el humor y la locura de Yllana, dando como resultado un divertido y sorprendente “des-concierto”, que repasa algunos momentos cumbre de la música clásica, además de fragmentos musicales populares.


De este modo, se ofrece al público un espectáculo gestual y musical sin diálogos, a lo largo del cual se entremezclan composiciones de grandes genios de la talla de Mozart, Pachelbel, Chopin, Boccherini, Falla o Sarasate, con música popular, convirtiendo el violín y el violonchelo en otros improvisados instrumentos - guitarras, mandolinas o instrumentos de percusión-. Con él se pretende acercar al público la música clásica, despojándola de su seriedad y solemnidad habitual, a través de la comicidad y la parodia.


El genio de Paganini ha sido una referencia esencial a la hora de concebir este espectáculo, ya que sus complejas composiciones, su alocada personalidad y su virtuosismo a la hora de interpretar reflejan el espíritu de PaGAGnini.

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Nuevo Circo de Shanghai

Género: Circo
Local: Teatro Circo Price
Dirección: Zhao Lizhi
Interpretes: Nuevo Circo de Shanghai

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El espectáculo está formado por bailarines, trapecistas, equilibristas, malabaristas y contorsionistas, cuyo particular arte está, además de en su compleja e inigualable técnica, en la extrema juventud de muchos de sus componentes.

Con cerca de 30 artistas en escena, el Shangai Circus deleita con un impresionante despliegue de talento, plasticidad y técnica.

NUEVO CIRCO DE SHANGAI

En el Jardín Nacional de Bellas Artes de China hay una flor exótica. Tras miles de años de evolución, ha nacido un único estilo artístico: la magia y acrobacia de Shangai, con todo su irrepetible misterio.

Hubo una vez varias compañías acrobáticas mundialmente conocidas en Shangai, tales como Hui Chong Magic Trouppe, Red Acrobatic Trouppe y Jian Nan Acrobatic Trouppe, que se fusionaron en el Shangai Magic and Acrobatic Trouppe en 1959. Más tarde, se llamaría Shangai Magic Trouppe, hasta convertirse en 1991 en el Nuevo Circo de Shangai, debido a las necesidades de las actuaciones en el extranjero.

El Nuevo Circo de Shangai ha recorrido Estados Unidos, Canadá, Japón, Singapur, Tailandia, Australia, Nueva Zelanda, Turquía, Corea, Emiratos Árabes Unidos, Indonesia, Sri Lanka, Bélgica, Francia, Hong Kong y Taiwán.

En 1998 el Nuevo Circo de Shangai comienza sus espectáculos en Branson, Missouri, y en tan sólo un año ya contaba con diversos premios, incluidos “El Mejor Espectáculo del Año” y “El Premio de la Paz de Branson”.

En la primavera de 1999 el Nuevo Circo de Shangai hace realidad un sueño llevando su arte a América. El circo recibe una invitación para actuar en el New Victory Theater en Broadway, en la ciudad de Nueva York. Este espectáculo fue “récord de ventas en Broadway” y fue galardonado como la “Mejor Producción Extranjera en Broadway”. En la Navidad de 2002, fueron de nuevo invitados a actuar en el New Victory Theater, convirtiéndose en la única compañía acrobática china que actúa por segunda vez en Broadway.

En 2001, la compañía comienza a actuar diariamente en Branson, Missouri, donde se afinca desde abril hasta mediados de diciembre. Desde este momento, el Nuevo Circo de Shangai realizará multitud de actuaciones a nivel internacional.

ZHAO LIZHI: DIRECTOR DE LA COMPAÑÍA

Zhao Lizhi tuvo una visión muy acertada. Su objetivo se centró en hacer llegar este maravilloso arte chino a todos los rincones del mundo. Para ello reunió a los mejores artistas de Shangai y contactó con las diferentes compañías en Estados Unidos, Europa, y otros lugares de Asia, con el fin de establecer un extenso calendario de actuaciones. Su visión original tomó forma en Branson, donde el Nuevo Circo de Shangai lleva seis exitosos años con innumerables espectáculos.

En 2000, Zhao Lizhi fue nombrado miembro de prestigio en Ética y Artes en el campo de las acrobacias. En 2001 fue elegido representante de la Liga Artística China.

Un año después, Zaho Lizhi y el Nuevo Circo de Shangai fueron considerados como el negocio del año en Branson. Fue la primera compañía internacional en recibir este honor. En 2002, Lizhi obtiene el Doctorado “Honoris Causa” por la Universidad de Fulton, Missouri.

En mayo de 2003, la ciudad de San Luis le honró con el prestigioso título “Un amigo de San Luis”.

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Carmen

Género: Ballet
Local: Teatro Reina Victoria
Autor: Bizet
Director y Coreografía: Sara Lezana
Interpretes: Ballet Flamenco de Madrid

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La cigarrera gitana más famosa de la historia de la ópera, cuenta su historia en clave flamenca en este espectáculo, que ya se ha convertido en todo un clásico de la temporada veraniega de la capital.

Un elenco de 25 artistas, entre bailarines y músicos, une sus talentos para poner en escena la inmortal historia de amor trágico de Carmen. Ella es una sensual cigarrera gitana de Sevilla que enamora hasta los huesos al soldado Don José, llevándole a una vida de huida, crimen y contrabando, así como integrar un pasional triángulo amoroso. Carmen debe decidirse entre el amor de Don José y el del torero Escamillo, pero termina siendo la principal víctima del violento final de la historia.

En este montaje especial y 'aflamencado', momentos tan conocidos de la inmortal obra de Bizet como la Habanera o las coplas del toreador serán bailadas por la joven promesa de la danza española y flamenca Erika Macías (Madrid, 1987), con coreografías de la reputada bailaora Sara Lezana.

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Carmina Burana

Género: Concierto

Local: Auditorio Nacional
Interprete:   Orquesta Sinfónica Radio Nacional Ucrania
Coro Estatal Ruso de Saratov
Director: Volodymyr Sheiko

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PROGRAMA:



Carl Orff (1895-1982)
Carmina Burana


Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Sinfonía nº 5 en DO menor, Op. 67

CARMINA BURANA

"Carmina Burana" es la pieza más memorable del compositor alemán Carl Orff y está inspirada en una colección de poemas medievales de los siglos XII y XIII descubiertos en 1803 en el monasterio de benedictino de Beuern (Alta Baviera). Consta de unos 300 poemas escritos en latín medieval y otros 50 que lo están en una mezcla de alemán antiguo, latín y francés. Los goliardos, sus anónimos autores, eran clérigos o estudiantes vagabundos que llevaban una vida irregular, fuera de las reglas institucionales. Los argumentos de estos poemas son variados: canciones de amor, de taberna, sátiras, canciones estudiantiles... que emanan una filosofía simple y directa del amor a la vida.

La obra se inicia con Fortuna Imperatrix Mundi (Fortuna, Emperatriz del Mundo), una potente invocación coral a la diosa Fortuna, la que somete al hombre bajo su yugo y cuyas veleidades cambian como las fases de la luna. Primo vere (Primavera) describe la celebración de una fiesta que acontece en primavera, cuando la naturaleza despierta fortaleciendo al hombre en su lucha contra el destino. En In Taberna (En la Taberna) los hombres escuchan la desgarradora confesión de un espíritu rebelde que desafía al destino; al final un coro de borrachos pretende olvidar en el vino las miserias de este mundo. En Cour d'amours (La corte del amor), que recuerda a la música cortesana de la Edad Media, es un homenaje a Venus, diosa del amor. En el punto culminante de la tercera parte la diosa Fortuna hace girar la rueda, y el coro inicial la circularidad del destino es anunciada otra vez con el coro inicial, O Fortuna.

"Carmina Burana" constituye en definitiva un canto al amor y a los placeres terrenales. Retratan la piedad cristina y el hedonismo pagano con un espíritu despreocupado, de regocijo y burla, que contrastan totalmente con la concepción sobre la vida y la muerte que tradicionalmente se atribuye al medievo.

Con "Carmina Burana" Orff logró crear un "teatro total" en el que la música y palabra colaboran para crear un efecto arrollador. La obra se estrenó en 1937 en Frankfurt con un enorme éxito, hasta el punto de cambiar totalmente la carrera de Orff, quien a sus 40 años de edad, era más famoso como educador que como compositor. "¡Todo lo que escribí yo hasta ahora, y usted lamentablemente imprimió, puede desecharlo! Con "Carmina Burana" comienzan mis obras colectivas", le escribió Orff a su editor.

SINFONÍA Nº 5 EN DO MENOR, OP. 67

Beethoven escribió la Quinta Sinfonía entre 1804 y 1808, y la estrenó el 22 de diciembre de ese año en Viena. Se trata de una de las piezas más célebres de la música clásica, e influyó poderosamente en compositores posteriores, como Brahms, Tchaikovsky o Mahler.

La Quinta comienza con una apertura tan poderosa como insólita, un motivo de cuatro notas (tres breves y una larga, tres breves y una larga) que se repite a lo largo de toda la sinfonía y que es quizá el tema que mejor se conoce de su autor. Con estas notas (que en código Morse equivalen a la letra V de "victoria") comenzaban los programas de radio que la BBC emitía durante la II Guerra Mundial, para dar ánimos a la resistencia. Se cree que este tema inicial representa "el destino llamando a la puerta", una idea que se atribuye al secretario de Beethoven, Anton Schindler.

De esta composición, Berlioz escribió: "es la primera en la cual Beethoven ha dado libre curso a su vasta imaginación... es su pensamiento íntimo lo que va a desarrollar, sus dolores secretos, cóleras reconcentradas, melancólicos ensueños, nocturnas visiones, ímpetus de entusiasmo...". La Quinta Sinfonía es, junto con la Tercera y la Novena, una de las obras más revolucionarias de Beethoven.

Fama

Género: Teatro
Local:  Teatro Calderón 
Dirección:  Ramón Ribalta

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Primero fue un filme de éxito, después una serie televisiva de larga duración en los 80. Ahora, se sube a los escenarios para demostrar que lo que importa no es tanto el guión como la danza, la música y el teatro. Una filosofía que confirman todos sus ingredientes. Empezando por coreografías espectaculares que se adaptan a los estilos de los distintos artistas. Una mezcla que va desde las formaciones clásicas, al Ballet de Cuba o profesionales del claqué. Todo ello al ritmo de repertorios musicales de pop contemporáneo, entre los que se incluye el título de la canción de mayor éxito, 'Fame'. Probablemente el momento más esperado del musical.

Pero, 'Fama-El Musical' no sólo es baile y música. La historia que enganchó a miles de personas, el fanatismo por esta célebre 'High School for the Performing Arts', en la calle 46 de New York, se debe también a los retos y vivencias a los que se enfrentaban Leroy y sus compañeros. Una historia inspirada en un variado grupo de estudiantes que se comprometen durante cuatro años a un exhaustivo trabajo artístico y académico con candor, humor y entrega. El segundo elemento de esa fórmula del éxito, la capacidad de identificación de esa generación de jóvenes 'ochenteros' que se vieron reflejados en sus dudas, inquietudes y problemas.

Reparto:
Joe Vegas: Sergio Alcover
Carmen Díaz: Damaris Martínez/Norma Álvarez
Nick Piazza: Edgar Martínez
Serena Katz: Esther Peñas/Marina Pastor
Iris Kelly: Paula Vázquez/Yolanda Serrano
Tyrone Jackson: Javier Toca
Mabel Washington: Isa Mateu
Schlomo Metzembaum: Jordi Grifell
Goody: Jordi Coll
Grace Lamb: Sandra de Victoria
Sr. Myers: Salva Toscano
Srta. Bell: Cristina Castaño
Srta. Sherman: Maria José Santos
Sr. Scheinkopf: Antonio M.M.
Swing femenina: Carmen Márquez
Swing masculino: Juan Dávila


Cuerpo del baile:
Evangelina Estéves, José Luis Gálvez, Edgar López, Oriol Marín, René Otamendi, Beatriz Silva, Marta Tomassa, Ayako Umei y Oscar Reyes.


Músicos:
Dirección musical residente: Joan Casals
Guitarras: Carlos Abril/Guillem Galofré
Batería: Betel Martínez/Richard Molina
Bajo: David Salvador/Jofre Gasol
Piano: Joan Casals/Raul Patiño
Teclado: Domènech Latorre/Joan Miquel Pérez
Trompeta: Víctor Vergés
Trombón: Sergi Vergés
Saxos: Josep Bordas y Carlos Nostro
Flautas: Bernat Castillejos y Berta Tiana
Percusión: Yoan Sánchez


Equipo creativo original:
Idea original y desarrollo: David de Silva
Guión: José Fernández
Letras: Jacques Levy
Música: Steve Margoshes


Equipo artístico:
Espacio escénico: Ramon Ribalta
Coreografía: Coco Comín
Vestuario: Coco Comín
Caracterización: Toni Santos
Dirección musical: Oleguer Alguersuari
Producción musical: Guillem Galofré
Dirección de casting: Daniel Anglès
Versión y adaptación de texto y letras en español: Daniel Anglès y Juan Vázquez
Fotografía: Oriol Llistar
Producción: Videomedia y Teatro del Sol

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Coppelia

Género: Ballet
Local: Teatro Albeniz
Autor:  Leo Delibes
Director y Coreografía: Victor Ullate
Interpretes: Ballet Victor Ullate


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Nuevo argumento
El coreógrafo Eduardo Lao ha mantenido la música original que creara Leo Delibes en 1870 para Coppélia. Sin embargo el libreto original de Charles Nuitter, basado en un cuento de Ernest Theodor Amadeus Hoffman, ha sido obviado. La historia es más cercana al público actual. La creación de Eduardo Lao se ambienta en un laboratorio cibernético de inteligencia artificial, donde el nuevo doctor Coppelius investiga la fabricación de un androide totalmente femenino, en su movimiento y comportamiento.

Acto 1
En un cibernético laboratorio de robótica, donde el doctor Coppelius investiga la creación de un revolucionario androide con movimiento y comportamiento totalmente femenino, Coppélia es el prototipo más completo a presentar en sociedad. El joven Franz, aficionado a la fotografía, es el encargado de mantenimiento de las instalaciones que albergan los diferentes robots. Mientras las tres chicas de la limpieza, Betty, Rosi y Andreina anhelan envolverse en el lujo y glamour de los prototipos de la nueva mujer androide, Franz lanza los destellos de su flash a Coppélia.

La obsesión del doctor Coppelius por humanizar sus androides se agudiza. Todo está preparado para el gran lanzamiento público de Coppélia, al que están invitados los grandes magnates de la industria de la moda y la tecnología. Sin embargo, las formulas de Coppelius no dan los resultados esperados. Al margen de su angustia, Betty, Rosi y Andreina aprovechan la noche para ser reinas por un día, y Franz da rienda suelta a su atracción por el nuevo invento, atreviéndose a manosear el ordenador del doctor.

Esto provoca la irrupción fugaz de un ser mágico, la Diva Espectral, que otorgará a Coppélia las emociones que la convierten en humana. Al comenzar a experimentar su autonomía, la nueva mujer descubrirá a Franz, quien había presenciado escondido su metamorfosis. Tras una tensa aproximación inicial, ambos quedan intrigados, queriendo conocerse mejor, hasta que son interrumpidos por el doctor Coppelius.

Acto 2
La fiesta de presentación pública de Coppélia se convierte en el principal evento de la alta sociedad. Grandes magnates y relevantes personalidades del mundo de los negocios se congregan ansiosos por conocer la nueva fuente de ingresos que supondrá la revolucionaria androide capaz de desenvolverse como una mujer. El doctor Coppelius confía en que todo su trabajo de años vea la luz con éxito gracias a los ajustes realizados a última hora.

De forma sorprendente, Coppélia obedece las instrucciones del investigador hasta que se sale de su papel de androide y opta por buscar el destello de los flashes de Franz, dejándose llevar por sus sentimientos y provocando la cólera del científico. La nueva aparición de la Diva Espectral detendrá el tiempo y hará ver al doctor Coppelius que su amor platónico ha dejado de ser un sueño y se ha convertido en un ser tan real que ya no puede ser controlado mediante un programa informático. Coppélia, ya humana, elegirá con libertad vivir su pasión junto a Franz.

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Referencias

Mayumaná

Género: Musical
Local:  Teatro Calderon 
Dirección:   Eylon Nuphar y Boaz Berman 
Interpretes: Mayumaná

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Mayumaná regresa a Madrid, tras dos años de ausencia en la ciudad, con un nuevo espectáculo de percusión que permanecerá en el Teatro Calderón hasta diciembre, y con novedades que incluyen números solistas de nuevos intérpretes o una cortina de agua que abarca todo el escenario.

Después de que 150.000 espectadores acudieran durante ocho meses al espectáculo de Mayumaná en la capital -que luego representaron por otras veinte ciudades españolas desde octubre de 2003 hasta el pasado mes de abril-, el nuevo show que estrena la compañía mantiene los elementos que le han hecho popular durante una década desde su formación en 1996.

Así, el ritmo, el movimiento, el empleo de objetos cotidianos como instrumentos de percusión o su "jam session" -con los que Mayumaná ha recorrido salas de Alemania, Portugal, Suiza, Chile, Venezuela, Argentina, Canadá, China, Corea, Austria y Francia- permanecen en el espectáculo, pero conjugados con la creación y la innovación constantes. Las funciones en el Teatro Calderón se representan de miércoles a domingo, con sesiones dobles los viernes y sábados.

En el espectáculo, de dos horas de duración, participan doce artistas -seis componentes masculinos y seis femeninos-, y se desarrolla en diversos números conjuntos y solistas, para concluir con una "jam session" en el hall del teatro, entre el público. Todos ellos -y como condición imprescindible para pertenecer a la compañía- se han formado en Israel en diferentes disciplinas como la percusión, técnicas de voz, teoría musical, coordinación, yoga, hip hop o capoeira.

El nombre del grupo, Mayumaná -creado por la estadounidense Eylon Nuphar, residente en Israel, y por el israelí Boaz Berman-, proviene de la palabra hebrea "Meyumanut", que significa "habilidad, destreza".

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