viernes, 23 de enero de 2015

Rinoceronte


Género: Teatro
Local: Teatro Maria Guerrero.

Autor: Eugène Ionesco
Versión y Dirección:  Ernesto Caballero
Interpretes:  

Dudard: José Luis Alcobendas
La señora Boeuf: Ester Bellver
Juan: Fernando Cayo
El de la tienda: Bruno Ciordia
El lógico: Paco Déniz
La de la tienda: Chupi Llorente
La mujer que va de compras: Mona Martínez
El dueño del bar/Bombero: Paco Ochoa
Daisy: Fernanda Orazi
El señor mayor: Juan Antonio Quintana
El señor Papillón: Juan Carlos Talavera
Botard: Janfri Topera
Berenger: Pepe Viyuela
La camarera: Pepa Zaragoza


Información adicional:

Rinoceronte, escrita por Eugène Ionesco en 1959 es una fábula dramática acerca de la propagación y aceptación social del totalitarismo. La acción transcurre en una pequeña ciudad de provincias donde un buen día aparece un rinoceronte perturbando la tranquila y burguesa vida de la comunidad y generando, como si de una epidemia se tratara, un efecto de contagio consistente en la transformación de las personas en hermosos y robustos paquidermos.

Berenger, el protagonista de la pieza, en un principio le resta importancia a este acontecimiento, pero pronto, en cuanto su amigo Juan sufre esta inopinada metamorfosis, comienza  a reaccionar contra la epidemia de la que no sabemos si por determinación o por temperamento él ha quedado inmune. Al final, consciente de que su incapacidad de adaptación le aboca a la soledad y a la marginación, proclama a los cuatro vientos su resignada condición de resistente no sin antes lamentar con amargura no poder ser uno de ellos.

El tema de la voluntad es el eje central de este mordaz relato que se emplea a fondo en la suscitación de múltiples preguntas sobre nuestra responsabilidad tanto individual como colectiva. Así por ejemplo, qué postura debemos o podemos adoptar con respecto a la degradación generalizada de la sociedad o ante determinadas propuestas para su radical transformación.

Ernesto Caballero












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domingo, 18 de enero de 2015

Don Juan Tenorio


Género: Teatro
Local: Teatro Pavón 
Autor: 
José Zorrilla
Versión: Juan Mayorga 
Directora: Blanca Portillo
Interpretes:  

Juan Tenorio: José Luis García-Perez
Cristófono Butarelli: Luciano Federico Marcos
Ciutti: Eduardo Velasco
Miguel: Daniel Martorell
Gonzalo de Ulloa: Juanma Lara
Diego Tenorio/ Escultor: Francisco Olmo
Capitán Centellas: Alfonso Begara
Rafael de Avellaneda: Alfredo Noval
Luis Mejía: Miguel Hermoso
Gastón/Lucía/Monja Tornera: Raquel Varela
Ana de Pantoja: Marta Guerras
Brígida: Beatriz Argüello
Abadesa: Rosa Manteiga
Inés de Ulloa: Ariana Martínez
La mujer: Eva Martín

Informacion aficional:

En pocas horas, el don Juan de Zorrilla posee a una mujer haciéndose pasar por su prometido y dispara cobardemente contra el anciano progenitor de otra a la que dice amar. Con este asesinato y aquella conquista basada en engaño, Tenorio agranda la lista de capturas y muertes de sus últimos doce meses, que él hace pública para ganar una apuesta.

No es un amante irresistible, sino más bien un violador en serie; no es un leal luchador, sino un criminal. No es un transgresor, sino alguien que, por imponerse en un desafío, viola y mata. No es un aventurero hedonista enfrentado a leyes y costumbres, sino un ser humano que no reconoce en ningún otro un límite. Al contrario, su primer objetivo –su mayor placer- es demostrar que no siente compasión por nadie. No es un hombre contra todos, sino contra la humanidad misma, porque es la humanidad del otro –de cualquier otro- lo que don Juan vence. Cuando por fin encuentra a una mujer a la que dice querer entregarse, la abandona junto al cadáver caliente de su padre.

Tan oscuro héroe protagoniza una de las obras más exitosas de la historia del teatro español. Sobre las deficiencias de la pieza ya se extendió el propio autor en un capítulo genial de Recuerdos del tiempo viejo. Tales deficiencias no impiden que Don Juan Tenorio tenga una teatralidad hipnótica que atraviesa el escenario absorbiendo al espectador. Esa intensa teatralidad se asienta ante todo en el carácter extraordinariamente conflictivo –y, por tanto, extraordinariamente teatral- del protagonista, un hombre sin amigos que pone en peligro a cualquiera que se cruce con él.

Ha sido para mí una enorme experiencia explorar ese personaje y su mito versionando esta obra tan imperfecta como importante. Sabiendo que no se trataba de reescribirlo, sino de releerlo, he intentado ser tan fiel al texto original –que no pocos espectadores conocen de memoria- como a la idea escénica de la directora que hoy lo ha elegido. Nunca le agradeceré bastante que haya contado conmigo para acompañarla en su lectura, que creo necesaria y memorable. Sospecho que, durante mucho tiempo, no habrá puesta en escena de Don Juan que no dialogue con la de Blanca Portillo.

Juan Mayorga (Autor de la versión)



La imagen de Tenorio me acompaña desde hace años. Nunca he podido entender cómo un personaje así se ha convertido en un mito, en un icono abanderado de la libertad y la trasgresión, la representación del seductor de mujeres como valor en sí mismo.

Hoy siento la necesidad de subir al escenario a este personaje, tantas veces representado y, creo, tan pocas veces entendido. Subirle al escenario y radiografiar sus comportamientos, sus acciones, sus palabras, para mostrar lo que siempre he sentido que existía tras ellas: un modelo de destrucción, de falta de empatía, de crueldad, de desprecio por la vida propia y ajena, de incapacidad para construir… Mas allá de la época en que Zorrilla crea el personajes y mas allá del tiempo en el que el autor coloca la acción de su obra, Tenorio es un ser humano que sigue latente en el inconsciente de esta sociedad, de la nuestra.

Tenorio no es un héroe. Es alguien que huye de su propio vacío, llevándose por delante todo aquello que se cruce en su camino. No es un luchador en busca de un mundo mejor, de un cambio en el sistema, no es un buscador de belleza. Tenorio es y el vivo retrato del desprecio por los demás.

Vivimos en un mundo el que ese desprecio se hace cada día mas patente. Sobrevaloramos a quienes destruyen, a quienes roban, matan o violan las leyes. En nuestro país seguimos pensando, aunque en ocasiones lo ocultemos, que esas personas son admirables, son “los listos”, y los demás, unos tontos que vivimos sujetos y amordazados en el redil.

Yo creo profundamente en el respeto por los demás. En valores morales y éticos que Tenorio destruye sistemáticamente. Creo que ya va siendo hora de que alguien llame a Tenorio por su nombre


Blanca Portillo (Directora del montaje)












viernes, 16 de enero de 2015

Carmina Burana



Género: Ópera
Local: Teatros del Canal
Autor: Carl Orff /La Fura dels Baus
Director: Carlus Padrissa
Interpretes: 
Amparo Navarro, Soprano 
Vasily Khoroshev, Contratenor 
Toni Marsol, Barítono 
Luca Espinosa, Actriz 

Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y Joven Coro de la Comunidad de Madrid

Información adicional:

El original Carmina Burana es una colección de poemas del siglo XII y XIII, que se han con servado en un único códice encontrado en 1803 por Johann Christoph von Aretin en la abadía de Benediktbeuern, en Baviera, y que actualmente se conserva en la Biblioteca Estatal de Baviera en Múnich. El códice recoge un total de 300 poemas, escritos en su mayoría en latín, alemán y francés. En estos poemas se ensalza el placer por vivir y el interés por los placeres terrenales, por el amor carnal y por el goce de la naturaleza, siempre con una mirada crítica y satírica hacia los estamentos sociales y eclesiásticos de la época.
Carl Orff compuso su Carmina Burana entre 1935 y 1936, y se basó en 24 poemas del códice original. El título original de la obra Carmina Burana: Cantiones profanæ cantoribus et choris cantandæ comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis (Canciones de Beuern: canciones seculares para cantantes y coros para ser cantadas con instrumentos e imágenes mágicas) es el punto de partida del espectáculo que La Fura dels Baus ha creado.

`O Fortuna, velut luna statu variabilis´ (`O Fortuna, eres variable como la Luna´)… así se empieza a dibujar el círculo de la que tal vez, sea la obra más popular del siglo XX: el Carmina Burana de Carl Orff. Una obra escrita sobre textos del siglo XIII que hablan del placer terrenal de vivir, del vino, del amor y las mujeres.
Desde La Fura dels Baus han creado un espectáculo con fuertes imágenes escénicas, con la intención de ilustrar e iluminar toda la fuerza y poesía de unos textos que, a pesar de tener más de 800 años, hablan de deseos que nos vuelven a unir a lo más ancestral de nuestra especie… el círculo se cierra para seguir rodando.














martes, 13 de enero de 2015

Concierto de Año Nuevo. Cátedra de Flauta


Género: Concierto
Local: Auditorio Sony
Acompañamiento: Nicolay Shalamov, piano 
Programa:

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Sonata para flauta y piano en si menor BWV 1030
I. Andante
II. Allegro e dolce
III. Presto


Intérprete: Antonina Styczen

Friedrich Kuhlau (1786-1832)
Gran Sonata Concertante para flauta y piano en la mayornúm.3 op.51
I. Allegro con fuoco
II. Scherzo
III. Adagio sostenuto
IV. Finale

Intérprete: Marta Femenía

Charles-Marie Widor (1844-1937)
Suite para flauta y piano op.34
I. Moderato
II. Scherzo
III. Allegro vivace
IV. Finale: Vivace

Intérprete: Paula Martínez

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Cuarteto para flauta y cuerdas en re mayor K.285
I. Allegro
II. Adagio
III. Rondó

Intérpretes:
Gala Kossakowski, flauta
Luis María Suárez, violín
Aurora Rus, viola
Gonçalo Lélis, violonchelo

Gabriel Fauré (1845-1924)
Sonata para flauta y piano núm.1 en la mayor op.13
I. Allegro molto
II. Andante
III. Allegro vivo

Intérprete: Francisco Macedo

Richard Strauss (1864-1949)
Sonata para flauta y piano op.18
II. Improvisation: Andante cantabile
III. Finale: Andante allegro


Intérprete: Lope Morales

viernes, 5 de diciembre de 2014

Fausto


Género: Teatro
Local: Teatro Valle Inclán. 
Autor: 
Johann Wolfgang von Goethe
Versión Livija Pandur, Tomaž Pandur y Lada Kaštelan 
Director: Tomaž Pandur
Interpretes:  

Empleado de Mefistófeles: Manuel Castillo
Mefistófeles: Víctor Clavijo
Fausto: Roberto Enríquez
Empleado de Mefistófeles: Alberto Frías
Wagner: Emilio Gavira
Empleado de Mefistófeles: Aarón Lobato
Empleado de Mefistófeles: Rubén Mascato
Valentín: Pablo Rivero
Margarita: Marina Salas
Sra. Mefistófeles: Ana Wagener

Información adicional


El nuevo proyecto teatral de Tomaž Pandur, Fausto, basado en la obra suprema de Goethe, su gran poema dramático en dos partes, muestra los fragmentos de esta inmensa obra en los que la historia del desarrollo de la leyenda y su expansión a esferas morales y filosóficas más amplias representa también una historia intelectual de la humanidad. Aunque se basa en la leyenda medieval de un hombre que vendió su alma al diablo, de hecho trata sobre el sentido de alienación del hombre moderno y su necesidad de llegar a un acuerdo consigo mismo y con el mundo en que vivimos.
A lo largo de los últimos siglos, esta historia ha madurado hasta convertirse en un mito arquetípico de las aspiraciones del hombre y los dilemas con los que se enfrenta cuando intenta comprender su lugar en el universo. Fue llamada «la divina tragedia» porque aborda el microcosmos y el macrocosmos, lo público y lo privado, así como la cuestión del conocimiento. Las etapas de la vida de Fausto y sus confrontaciones con Mefistófeles son fórmulas de pensamiento, una fenomenología de las especies humanas. Goethe está convencido de que la batalla entre el bien y el mal es lo que empuja a la humanidad hacia delante y esta espiral dialéctica es la fase de su incesante fe en el futuro de la humanidad:

     Fausto.– Bien, y ahora dime, ¿quién eres?
     Mefistófeles.– Una parte de aquella fuerza que siempre quiere el mal y el
                         bien siempre crea.

Con su adaptación de la leyenda de Fausto al clima intelectual y emocional de nuestra propia época, Pandur representa un proceso alquímico, en el que todo lo que entra en el espacio escénico se transforma, y de este modo construye su propio lenguaje escénico, su propia Poesía y verdad. En medio de la lucha eterna contra un mal omnipresente, Pandur pone en escena el eterno deseo por lo que no poseemos, familia, amor, juventud o belleza. Al entrar en el campo de lo mágico, en las llanuras de las esferas cósmicas, a Fausto se le permite experimentar la realización total, aunque sea por un instante, incluidos el amor, la autoridad y el poder, pero el contrato con Mefistófeles (o consigo mismo) firmado con sangre, le lleva de nuevo, finalmente, a su propia soledad y a la transitoriedad de la vida.
¿Está en su «teatro del mundo» solo contra el mundo? ¿O está el mundo contra él? ¿Es un dios o un esclavo? ¿Y consigue el conocimiento de «cuándo», «cómo» y «dónde»?
El discurso de distanciamiento y realización del ser humano, el discurso alucinante y alucinógeno, evoca toda la tragedia humana en un intento de encontrar la verdad de cualquier persona, así como el clímax de su vida.
La confrontación con uno de los más grandes mitos europeos inspira a Pandur para revivir y reinterpretar la leyenda de Fausto, con la creación de un espectáculo en el que se disecciona la psicología de Fausto, sus temores y su soledad, su amor y su pasión. Al comienzo, Heinrich Faust, en la cima de su fortaleza intelectual pero también en la cima de su desesperación, se encuentra al borde del suicidio, se siente completamente perdido. Y querría sentir un momento en el que pudiera decir: «¡Detente pues, eres tan bello!».
Pero ¿cómo y dónde encontrarlo, y sentirlo, dónde se esconde?
En este momento desesperado y suicida de Fausto, entramos en su paisaje interior en un abrir y cerrar de ojos, en las partículas de su mundo real e imaginario, en su búsqueda de un momento perpetuo de alegría y realización. Su búsqueda es nuestra búsqueda. Una búsqueda que nunca termina. 









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martes, 2 de diciembre de 2014

Ciclo PRELUDIO 2 de Diciembre


Género: Concierto
Local: Auditorio Sony

Programa:

Ernest Bloch (1885-1977)
Sonata para violín y piano núm.1 (1920)
I. Agitato 
II. Molto quieto 
III. Moderato 

Sofija Nikoska
Alina Artemyeva

Eugène Ysaÿe (1858-1931)
6 sonatas para violín solo op.27
Núm.6 en mi mayor

Fritz Kreisler (1875-1962)
Caprice viennois (Capricho vienés) para violín y piano op 2

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Sonata para violín solo núm. 3 en do mayor BWV 1005
III. Largo

Julen Zelaia Zia

Nicolo Paganini (1782-1840)
De 24 caprichos para violin solo op. 1
Capricho num. 17 en mi bemol mayor

Elina Sitnikava

Henryk Wieniawski (1835-1880)
Fantasía brillante sobre temas de Fausto de Gounod para violín y orquesta op 20 (reducción para violín y piano)

Henry Vieuxtemps (1820-1881)
Concierto para violín y orquesta núm. 5 en la menor op 37 "Grétry" (reducción para violín y piano)
I. Allegro non troppo 
II. Adagio 
III. Allegro con fuoco 

Inés Issel Burzyñska
Alina Artemyeva

Información adicional

Julen Zelaia Zia

Nació en Pamplona (España), en 1995. Inició sus estudios musicales de violín en el Conservatorio de Música de Irún, con la profesora Raffaela Acella, quien le formó hasta que finalizó el Grado Medio. Asimismo, ha recibido clases de música de cámara, siendo miembro del cuarteto “Egunsentia” y, desde los diez años, ha asistido a los Cursos de Verano de Astorga y Llanes con el docente José Ramón Hevia. También ha recibido clases de profesores como Pablo González, Vadim Repin, Sergey Kravchenko, Mauricio Fuks, Eduard Grach, Alexander Bonduriansky y Bartosz Bryła. Es alumno de la Escuela Superior de Música Reina Sofía desde el curso 2010-2011 en la Cátedra de Violín, con la Profesora Titular Ana Chumachenco. En 2011 recibió de manos de Su Majestad la Reina Doña Sofía la Mención de Alumno más Sobresaliente de su cátedra. En 2009 fue ganador de la fase autonómica celebrada en el Teatro Arriaga en Bilbao, lo que le llevó a ser el representante de la Comunidad Autónoma Vasca en Madrid para participar en el VIII Certamen Nacional de Interpretación Intercentros Melómano, donde obtuvo el Primer Premio y Premio al Mejor Intérprete de Cuerda. 

Ha formado parte de la Orquesta Sinfónica de Irún, con la que ha sido concertino y ha actuado, como solista, con la Joven Orquesta del Conservatorio de Irún y la Banda Municipal de Música de Irún. Igualmente, en 2009 formó parte de los Cursos de Verano “Bilbao Arte eta Kultura X Topaketak”, como alumno de violín. 

Inés Issel Burzyñska

Nació en Tarragona (España), en 2001. Con cuatro años empezó a estudiar violín con su madre Iwona Burzyñska, lenguaje musical en la Escuela de Música Nou Art de Tarragona y piano con la profesora Natalia Oterino. Inició clases de ballet en la Escuela Artis de Tarragona y posteriormente obtuvo el Grado II en la Royal Academy of Dance de Londres, en Inglaterra. En 2007 participó en el Concurso Infantil de Piano de Torroella de Montgrí, en Barcelona. En 2008 comenzó a estudiar violín con la profesora Eva Graubin en Barcelona. Ha participado en clases magistrales con Bartosz Bryła, Evgueni Grach, Eva Graubin y Oleg Kryssa. Desde el curso 2012-2013 es alumna de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en la Cátedra de Violín Telefónica con el Profesor Titular Zakhar Bron. 

En 2008, ganó el Primer Premio en el Concurso Instrumental Sant Anastasi de Lérida, en la categoría de iniciación al violín, galardón que volvió a conseguir en 2012 en la categoría juvenil. Asimismo, en 2009, recibió el Primer Premio en el Concurso Corda de Barcelona, en la categoría "D" (Infantil), y en 2010 en el Concurso de Interpretación Musical Arjau de Barcelona. En 2011 ganó el Tercer Premio en el Concurso Internacional Kocian en Ústí nad Orlicí, en la República Checa, donde fue la única participante procedente de España. 

En 2006 realizó su primer concierto para Juventudes Musicales de España, en Reus, acompañada al piano por su padre, Piotr Issel. En 2012 dio un concierto solidario para la Fundación Internacional de Solidaridad Compañía de María en beneficios del Hospital de Monvu en la República del Congo, y realizó su primer recital junto con su madre (violín) y el pianista Cecilio Tieles en el Auditorio Santa Lucía de Tarragona.