Casa de muñecas

Género: Teatro
Local: Teatros del Canal 
Autor: Henrik Ibsen
Versión y adaptación: Jerónimo Cornelles y Ximo Flores
Director: Ximo Flores
Interpretes: 
Nora: Rebeca Valls, 
Helmer: Jerónimo Cornelles, 
Helena: Teresa Crespo, 
Rank: Manolo Puchades, 
Krogstad: Miquel Mars, 
Cristina: María Minaya 

Información adicional:  

Escrita en 1879 y estrenada en 1880, Casa de muñecas constituye un reclamo por la libertad femenina, aunque el clamor por esta es solo una excusa para reclamar la libertad de todo individuo a tomar su vida en manos propias. Las tópicas y recurrentes etiquetas de obra feminista, reducen toda la profundidad que encierra la obra, donde Ibsen habla de la necesidad de tomar conciencia y de actuar. Nora lo hace, en uno de los finales más hermosos jamás escritos en una pieza teatral. La corrupción, la alienación económica, la descomposición de las estructuras de organización tradicional como la familia, lo absurdo de la justicia y las diferencias de clase, dan consistencia y rigor a la obra del escritor noruego.

Jéronimo Cornelles y Ximo Flores actualizan y dan una nueva vuelta a este famoso texto original Henrik Ibsen que retrata y cuenta la historia de Nora Helmer, mujer felizmente casada que verá como su mundo idílico puede venirse abajo si ella no adopta medidas y se reafirma en su independencia personal y en la capacidad de determinar su propia existencia más allá del rol encorsetado que se le asigna en la sociedad.

 NOTA DEL DIRECTOR

“Casa de muñecas es uno de los textos teatrales que ha propiciado el mayor número de estudios críticos y cuyo personaje central, Nora Helmer, se ha convertido en un icono absoluto del teatro. Por tanto, cabría denominar “muñecas” tanto a Nora como a su marido Torvald, ya que este último, asumiendo su papel patriarcal, también es víctima de una sociedad dictatorial con los roles. Ibsen nos habla de la necesidad de tomar conciencia y de actuar.

Nora lo hace, en uno de los finales más hermosos jamás escritos en una pieza teatral. La corrupción, la alienación económica, la descomposición de las estructuras de organización tradicional como la familia, lo absurdo de la justicia y las diferencias de clase, dan consistencia y rigor a la obra del escritor noruego.

Nora Helmer es una auténtica heroína, una mujer capaz de amar como pocos y de sacrificarse por los demás en un mundo profundamente materialista, y al mismo tiempo Nora es un puro grito al inconformismo. Su portazo final suscita un anhelo revolucionario más allá del escenario. Sigamos la pista de Nora…”.

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LAC

Género: Ballet
Local: Teatros del Canal
Dirección y Coreografia: Jean-Christophe Maillot
Música: Piotr Ilyich Tchaikovsky
Escenografía: Ernest Pignon-Ernest 
Vestuario: Philippe Gillotel
Dramaturgia: Jean Rouad
Música adicional: Bertrand Mailllot
Iluminación: J.Ch. Maillot y Samuel Thery
Interpretes: Les Ballets de Monte-Carlo

Bailarines: April Ball, Anjara Ballesteros, Anja Behrend, Anna Blackwell, Sivan Blitzova, Sarah Clark, Bernice Coppieters, Mi Deng, Francesca Dolci, Liisa Hämäläinen, Vanessa Henriques, Mimoza Koike, Elena Marzano, Frances Murphy, Tiffany Pacheco, Noelani Pantastico, Quinn Pendleton, Francesca Podini, Gaëlle Riou, Maude Sabourin, Anne-Laure Seillan, Yi Sun, Kaori Tajima, Beatriz Uhalte, Simone Webster, Aurélien Alberge, Stephan Bourgond, Edgar Castillo, Gabriele Corrado, Daniele Delvecchio, Leart Duraku, Asier Edeso, Ediz Erguc, Julien Guerin, Michael Grünecker, Joseph Hernandez, Giovanni Mongelli, Alexis Oliveira, George Oliveira, Lucien Postlewaite, Alvaro Prieto, Chris Roelandt, Bruno Roque, Lucas Threefoot, Christian Tworzyanski, Jeroen Verbruggen, Le Wang

Información adicional:

LAC de Jean-Christophe Maillot sitúa de nuevo la narración en el corazón de la obra. En colaboración con el escritor Jean Rouaud, Maillot se reconcilia con los tormentos de un relato en conexión con los miedos de infancia y nuestros terrores nocturnos. Estas experiencias ocultas emergen aquí y se asocian a un contexto familiar maquiavélico que sirve de base a un ballet en claroscuro.

La obra muestra el tránsito del estado animal al humano, interrogando nuestra propia naturaleza. Creemos ser diferentes a los animales por nuestra capacidad de elección y decisión, pero, ¿tenemos realmente esa capacidad? ¿Acaso no estamos todos tan extraviados como este Príncipe?

Jean-Christophe Maillot nos lo muestra indeciso entre el blanco y el negro, entre el bien y el mal, el candor y el erotismo. Puede que nuestra humanidad no se apoye más que en esta insaciabilidad frustrada que nos define desde nuestro primer grito - ¡Lo queremos todo!

LAC es una versión diferente del emblemático ballet El lago de los cisnes. La personal visión de Maillot revitaliza el repertorio balletístico con acierto, inteligencia y dominio del estilo.

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Ciclo PRELUDIO 19 de Noviembre

Género: Concierto

Local: Auditorio Sony

Programa:

Béla Bartók (1881-1945)
Sonata para violín solo 
 I. Tempo di ciacconna 

Javier Aznárez, violín 

Luciano Berio (1925-2003)
Sequenza VIII para violín solo

Javier Aznárez, violín 

Eugéne Ysaÿe (1858-1931)
Sonata para violín solo en la menor núm.2 op.27 "Jacques Thibaud"
 I.Prélude: Obsession 
 II. Malinconia: Poco lento
 III.Sarabande: Danse des ombres
 IV. Les furies: Allegro furioso (13 min.) 

Javier Aznárez, violín 

Johann S. Bach (1685-1750)
Suite para violonchelo solo num. 6 BWV 1012 
 I. Prélude 

Laura Szabo, violonchelo 

Witold Lutoslawski (1913-1994)
Variación Sacher para violonchelo solo 

Laura Szabo, violonchelo 

Richard Strauss (1864-1949)
Concierto para oboe y orquesta AV 144 (reducción para piano) 
 I. Allegro moderato
 II. Andante
 III.Vivace 
 IV. Allegro 

Mercedes Guzmán, oboe 

Alina Artemyeva, piano 


Información adicional

Javier Aznárez Maeztu

Nació en Pamplona (España), en 1988. Estudió en el Conservatorio Superior de Música de Navarra, donde realizó el Grado Superior y obtuvo Matrícula de Honor en todos los cursos. Posteriormente, realizó un máster en la Universidad para las Artes de Rotterdam, que finalizó con la calificación de sobresaliente. Igualmente, en 2010 obtuvo la máxima calificación en la tesis "Navarra through a Violin" y representó a Navarra en la “Expo 10” de Shanghái. Además, ha realizado clases magistrales con Pavel Vernikov, Alexander Bonduriansky y Bartosz Brya. Desde el curso 2011-2012 estudia en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en la Cátedra de Violín, con el Profesor Titular Marco Rizzi. 

En 2004 consiguió el Primer Premio en el Concurso de Interpretación Musical Vila de Salou y en el Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes de Irún. Un año después, ganó el Primer Premio en el Encuentro Internacional de Interpretación de Jóvenes Concertistas "Villa de Sahagún", en León. Desde los doce años ofrece recitales en auditorios de Europa, Asia, Estados Unidos y Sudamérica. Asimismo, su experiencia camerística incluye actuaciones con la Orquesta Syntagma Musicum, Camerata Reyno de Navarra y con la Joven Orquesta Pablo Sarasate. A los 15 años fue solista de violín del Grupo Estudio Barroco. Con 20 años, recibió una subvención de la Fundación Promete y del Gobierno de Navarra para grabar su primer CD "Recordando a Sarasate". En verano de 2012 participó en el Lucerne Festival Academy de música contemporánea, con artistas como Pierre Boulez, Peter Ëotvos y los músicos del Ensemble Intercontemporain, entre otros.

Laura Szabo

Nació en Baja (Hungría), en 1993. Inició su formación de violonchelo con seis años en la Escuela de Música Ferenc Liszt, en Baja. Completó sus estudios elementales en Vaskut y prosiguió su formación en la Escuela de Música Laszlo Lukin. Posteriormente, continuó sus clases de violonchelo en Kecskemét desde quinto grado en la Escuela de Música Zoltan Kodaly, donde también ha sido estudiante de segundo grado con la profesora Martha Agocs. Ha recibido clases magistrales de Ferenc Rados, Natalia Gutman, David Geringas, Alexander Bonduriansky y Lluís Claret. 

En el curso 2010-2011 accedió a la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en la Cátedra de Violonchelo, bajo la tutela de la Profesora Natalia Shakhovskaya hasta 2014 y, desde entonces, con el Profesor Titular Ivan Monighetti. Ha tocado en numerosos escenarios como el Auditorio Sony, Centro Cultural San Juan Bautista, Colegio Oficial de Médicos de Madrid, Palacio Real de El Pardo, Auditorio Nacional de Música, en Madrid, Universidad de Jaén y en el Petit Palau de Barcelona, entre otros. 

Mª de las Mercedes Guzmán García

Nació en Toledo (España), en 1990. En 2008 concluyó sus estudios de grado medio y posteriormente accedió al Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde se licenció en Grado Superior con la calificación de Sobresaliente con el catedrático Juan Carlos Báguena Roig. Continuó su formación con los profesores Maurice Bourge, Jérôme Guichard, Emmanuel Abhül, Salvador Barberá, Ramón Barón, Cayetano Castaño, Matthias Bäcker y Christian Hommel. Desde el curso 2012-2013 es alumna de la Escuela Superior de Música Reina Sofía en la Cátedra de Oboe que dirige el Profesor Titular Hansjörg Schellenberger. En junio de 2014 recibió de manos de Su Majestad la Reina Doña Sofía la Mención de Alumna más Sobresaliente de su cátedra. Ha recibido clases magistrales de Horacio Wolleweber. 

En 2011 fue finalista en el Concurso de Música de Cámara Ciudad de Alzira, en Valencia. Ha colaborado con orquestas como la de Cámara del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Desde 2008, es solista de la Banda Municipal de Toledo y, además, colabora con la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Es miembro de la Orquesta Sinfónica Iuventas de Madrid, de la Sinfónica Jornada Mundial de la Juventud, de la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y de la Joven Orquesta Nacional de España. En 2010 participó en el "Proyecto Xenakis" y en 2014 en el Encuentro de Música y Academia de Santander. 

Alina Artemyeva

Nació en Kiev (Ucrania), en 1986. Inició sus estudios musicales con seis años en la Escuela de Música de Kiev y continuó su formación en la Escuela-Internado Especial de Música adjunta a la Academia Nacional de Música de Ucrania Tchaikowsky, con la profesora Sabina Ryabova. 

Se formó en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid con el Profesor Titular de la Cátedra de Piano Fundación Banco Santander, Dimitri Bashkirov. Durante esos años de estudio se presentó a una serie de recitales en España, Suiza, Alemania, Italia y Rusia. Asimismo, actuó con la Orquesta Freixenet de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y con formaciones sinfónicas de Alicante y Palma de Mallorca, donde ofreció conciertos de Mozart y Beethoven bajo la dirección de Antoni Ros Marbá o Philippe Bender, entre otros. 

Es Profesora Pianista Acompañante de la Escuela Superior de Música Reina Sofía en la Cátedra de Oboe con el Profesor Titular Hansjörg Schellenberger, desde el curso 2008-2009, y en la Cátedra de Violín Telefónica con el Profesor Titular Zakhar Bron, desde el curso 2010-2011. Asimismo, desde 2007 es Pianista Acompañante en el Encuentro y Academia de Música de Santander. 

Ha sido distinguida con premios especiales en los Concursos Internacionales de Piano Vladimir Horowitz y en el de Friburgo. Igualmente, en 2008 fue seleccionada para participar en el Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’Shea, donde participó en dos fases de la Competición. Junto al violista coreano Wen Xiao Zheng, ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional de Música de Cámara Ciudad de Játiva. 

En 2006 fue invitada a participar en el Homenaje a Mstislav Rostropovich en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. Ha frecuentado salas de prestigio como el Auditorio Nacional de Música de Madrid (Sala de Cámara y Sala Sinfónica), la Academia de Bellas Artes de Madrid, el Palau de la Música de Valencia, la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Santander o el Teatro Real de Madrid. Como solista y miembro de conjuntos camerísticos, ha participado en los Festivales Internacionales y Encuentros en Verbier, Oporto y Friburgo. Como pianista acompañante y como participante en conjuntos de cámara, ha actuado con los instrumentistas D. Bron, Wen Xiao Zheng, Zakhar Bron, C. Florea, A. Frolov, A. Gakkel, Rafael Khismatulin, P. Friedhoff y con cantantes como Alda Caiello, Valeriano Gamghebeli, Tatiana Melnychenko o M. Vólkova. 

Desde 2006 colabora con la Asociación Amigos de Valeriano en varios eventos con repertorio operístico. En 2009 se presentó con la Orquesta del Teatro Mariinsky, dirigida por Valery Gergiev en Lisboa y, desde ese mismo año, es miembro del Plural Ensemble, dirigido por Fabián Panisello, con el que actúa en Madrid, Barcelona y Toledo con obras de Gustav Mahler, Fabián Panisello, Olivier Messiaen, Benet Casablancas, entre otros. 

Donde hay agravios no hay celos

Género: Teatro
Local: Teatro Pavón

Autor: Francisco de Rojas Zorrilla

Versión:  Fernando Sansegundo

Dirección:  Helena Pimenta  

Interpretes:  
Sancho: David Lorente
Don Juan de Alvarado: Jesús Noguero
Bernardo: Óscar Zafra
Don Lope de Rojas: Rafa Castejón
Beatriz: Marta Poveda
Doña Inés de Rojas: Clara Sanchis
Don Fernando: Fernando Sansegundo
Doña Ana: Natalia Millán
Mujer: Mónica Buiza
Acordeonista: Vadzim Yukhnevich

Información adicional:

Es una de las mejores comedias del Siglo de Oro que el público de la época y del siglo siguiente tuvieron ocasión de disfrutar en los escenarios, dado que fue una de las más representadas. Autores extranjeros seducidos por su ingenio y por su técnica, así como por la construcción de los personajes, la tomaron como referencia para títulos tales como Jodelet ou le maître valet de Scarron estrenada en París en 1643, o The man’s the master de Davenant, su heredera en lengua inglesa.

Trabajar hoy con esta pieza de Rojas Zorrilla supone una oportunidad extraordinaria de profundizar en los mecanismos de la comicidad, de disfrutar de la complejidad de unos personajes que haciéndonos reír, incluso a carcajadas, luchan denodadamente por encontrar una segunda oportunidad en su azarosa vida.

Helena Pimenta, como directora de escena y responsable de la CNTC,  considera imprescindible abordar este título que contrapone el honor a los celos, por tanto, al amor; que sitúa frente a frente a un rígido orden social y a la naturaleza que, mediante el juego del intercambio de identidades y del teatro dentro del teatro, trastoca la vida de los que realizan el intercambio, de los que los observan y participan de sus peripecias, y de nosotros mismos, público de hoy que mira a través de pequeñas rendijas lo que ellos son y lo que nosotros somos. La risa es nuestra aliada en este viaje por un Madrid decadente, heredero de una época de exaltación, donde un sentido del honor exacerbado impide que germinen la razón y los sentimientos. La maestría teatral de Rojas Zorrilla, su gran habilidad para crear comedia nos conduce, como en un encantamiento, al lugar donde habitan el amor y el perdón, al lugar donde pudiera renacer la inocencia.

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Hello Bluebird: Celebrating the Jazz of Judy Garland

Género: Jazz
Local: Auditorio Nacional (Sala de Cámara)
Interpretes: 
Jane Monheit, voz
Michael Kanan, piano 
Neal Miner, contrabajo
Rick Montalbano, batería

Informacion adicional:

Jane Monheit tiene el honroso título de plantarle cara a otras damas actuales de la canción jazzística como Diana Krall o Madeleine Peyroux, gracias a una combinación de músicas que le han valido el reconocimiento tanto de los públicos más ortodoxos como el de los más heterodoxos. La fórmula de su éxito puede decirse que reside, a pesar de esta variedad de planteamientos estéticos, en un constante respeto por la tradición del jazz vocal, independientemente de que su garganta libere palabras de pop o fraseos latinos.

La industria del jazz tiene la mirada perdida en el horizonte, en vez de mirarse hoy y adentro. Anda buscando soluciones de éxito rápido y fácil, arrojándose a una carrera comercial donde las cantantes, nunca mejor dicho, llevan la voz cantante. Al frente de este nuevo movimiento todo el mundo puede recordar nombres como Diana Krall, Michael Bublé, Jamie Cullum, o Madeleyne Peyroux, por citar algunos de los casos más lustrosos, que están provocando uno de los mayores aluviones cantantes que ha experimentado el jazz en toda su historia. Muchas veces, y hasta alguno de los ejemplos citados, estas voces se nos presentan huecas, sin palabras en la garganta y, lo que es peor, sin emociones en el corazón. Son artistas que no se han parado a pensar si lo que cantan y cuentan interesa, si su apuesta está hecha sobre la experiencia o si su aliento creativo es verdadero.

Frente a esta generación de voces sin aire hay otros músicos que viven al día, trabajan en los estudios de grabación, se rozan con otros compañeros y se fijan el reto de la superación. La cantante estadounidense Jane Monheit (Oakdale, Nueva York, 1977) anda en ello y no tiene prisa, aunque a veces lo parezca, por esa mencionada tendencia a encumbrar las voces de nuestro tiempo. Su primer disco, Never Never Land (N-Coded Music, 2000) fue elegido mejor álbum de debut por la Asociación de Críticos de Jazz, lo cual ya es punto de partida al resto de sus compañeras cantantes. En este tiempo ha publicado nueve discos como líder, el último, The Heart of the Matter (Decca, 2013), coincidiendo con el nacimiento de su hijo Jack y sus 30 años de trayectoria. Hay en su voz texturas de todo tipo, que arropa junto al pianista Michael Kanan, el contrabajista Neal Miner y su marido, el baterista Rick Montalbano, con quienes también comparecía en su disco de 2009 The Lovers, the Dreamers and Me. Monheit, no obstante, anda recorriendo el mundo para mayor gloria de una de sus artistas más admiradas, Judy Garland, a la que rinde explícito homenaje en el espectáculo Hello Bluebird: Celebrating the Jazz of Judy Garland, en el que recrea temas inmortales como You gotta have me go with you, I wish I were in love again, Over the rainbow o Hello bluebird.

Afirma la chica que se enfrenta a un momento de paz interior, seguramente amplificado por el nacimiento de ese hijo: “Todo lo que estoy cantando ahora es un reflejo de mi verdadera forma de ser. Después de todo este tiempo en la industria, después de trece años de giras, es tiempo de ser simplemente yo, con completa y total libertad”. Más allá de su emoción interior, de lo que se deducen

de estas palabras es que Monheit sabe nadar y guardar la ropa, detenerse y tomar aliento, y no lanzarse a esa carrera frenética, que por mucha velocidad que alcances nunca llegas a ninguna parte.

Desde sus inicios, allá cuando sorprendió como finalista en la categoría vocal de la Thelonious Monk Jazz Competition, Jane Monheit se ha sabido rodear de músicos auténticos, desde el poético Tom Harrell al enérgico Terence Blanchard o el vanguardista Fred Hersch. Lo de menos son ese par de nominaciones que cuenta en la reciente convocatoria de los premios Grammy, aunque el apunte da

prueba de su capacidad para emprender toda suerte de aventuras mayores. No obstante, su jazz vocal, que es puro soplo de elegancia y lirismo, no tiene prisa, porque, una vez más, sabe que en el camino está lo mejor.

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