La Gran Liturgia Ortodoxa de la Pascua

Género: Concierto Musica Sacra
Local: Parroquia de Nuestra Señora de la Paz
Interpretes: Coro del Patriarcado de Moscú
Dirección: Anatoly Grindenko
Tenores: Platon Grekov, Grigorii Kuznetsov, Ivan Nor y Mikhail Nor
Barítonos: Evgenii Skurat, Taras Iasenkov y Petr Ostapenko
Bajos: Andrey Denisov y Vladimir Lebedev
Bajos Profundos: Vasily Korostelev y Gleb Golubev

Programa:

Llanto de Adán sentado frente al Paraíso, Verso del folclore espiritual del siglo XVI, canto znamenny

Por los ríos de Babilonia (salmos 136 y 137), canto demestvenny, anónimo del siglo XVI

Que mi oración se eleve hacia ti como el humo del incensario, Anónimo del siglo XVI

De Este a Oeste es famoso el Nombre de Dios, Canto georgiano

La Canción Sagrada del Sábado, Anónimo del Siglo XVII

El Evangelio de Pascua, Lectura bizantina, (solista: Evgenii Skurat)

Tropaire pascal: Cristo resucitó de entre los muertos, Canción antigua bizantina, georgiana, serbia y rusa

Trisagion, Antiguo canto de Georgia

Canto Eucarístico, polifonía strochny, anónimo del siglo XVII

El ángel gritó en Notre Dame, Himno de Pascua a Nuestra Señora, canto bizantino

S. Rachmaninov (1873-1943)
Mi alma, bendice al Señor, (salmos 103 y 104) de las Vísperas

S. Rachmaninov
Ahora es, Señor, de las Vísperas 

P. Tchaikovsky (1841-1893)
El Himno a Cristo en las Liturgias

Pavel Chesnokov (1877- 1944)
Canción de los querubines

S. Rachmaninov
Canto eucarístico

Pavel Chesnokov
El Arcángel Gabriel vino a ti 

Dimitri Bortnianski (1751-1825)
Gran Prokimenon: ¡No hay nadie más grande, nuestro Dios!

Información adicional:

El canto litúrgico no es exclusivo de la liturgia católica y protestante. La iglesia ortodoxa, desde los tiempos de Bizancio, incluye la música en sus ceremonias, manteniendo viva a lo largo de los siglos una tradición que ha ido evolucionando y moldeándose con el paso del tiempo.

En este concierto, el Coro del Patriarcado de Moscú nos invita a un recorrido por la historia del canto ortodoxo ruso, escuchando piezas de la antigua liturgia ortodoxa y de la gran polifonía znamenni. Este tipo de polifonía se caracteriza por un canto a dos y tres voces, representativo de una forma de interpretar cuya técnica data de los siglos XVI y XVII, que busca no solo expresar el texto mediante música (como en la tradición católica) sino introducir al oyente en una dimensión espiritual.

En esta tradición viva del canto ortodoxo ruso se insertan las obras de Tchaikovsky, Tchesnokov y Bortnianski, junto a las Vísperas de Rachmaninov, que este escribió en 1915, impresionado por los horrores de la I Guerra Mundial. Estas obras evocan tradiciones antiguas, y el oyente descubre entre los elementos litúrgicos el sentimiento de la música popular. Todas ellas consiguen expresar el llanto y la angustia de la gente piadosa, fusionando lo simple y lo sincero con un arte más elaborado.

Gershwin Rhapsody in Blue

Género: Jazz
Local: Auditorio Nacional
Interpretes: 
Uri Caine, piano
Theo Bleckmann, voz
Barbara Walker, voz
Ralph Alessi, trompeta
Jon Irabagon, saxo tenor
Joyce Hammann, violín
Mark Helias, bajo
Jim Black, batería

Información adicional:

Rapsodia ‘in Caine’

Si algo define al jazz es su constante compromiso con la creación, con la búsqueda y el hallazgo de nuevas sonoridades y emociones, de lenguajes que discutan todo lo vivido y que, al tiempo, sean punto de apoyo para descubrir nuevas literaturas musicales. Todo eso es lo que propone Uri Caine (Filadelfia, 1965), un pianista con sobrados avales jazzísticos para erigirse como uno de los grandes inspiradores de esta manera de entender la vida. Icono de la actual escena neoyorquina, donde a menudo es solicitado por ese gurú del jazz y la libre improvisación que es John Zorn, y líder de una amplia variedad de proyectos, que van desde el rock al Barroco, pasando por el bebop clásico, el blues, el góspel o la música electrónica, Uri Caine regresa nuevamente al Auditorio Nacional para emplearse a fondo con una de las obras cumbre de la literatura, no ya sólo jazzística, sino musical en general, el Rhapsody in blue de Gershwin. Es un artista singular y un creador colosal, por lo que no sorprende este nuevo proyecto en el que el ayer y el mañana se dan la mano armoniosamente.

Este renovado Rhapsody in blue cuenta con nuevos aromas y estímulos, porque a Uri Caine no le gusta lo obvio, síntoma de buen jazzista. Delante del escenario ha colocado a dos enormes voces salidas de ese rincón escorado que es la vanguardia y la libre improvisación, Theo Bleckmann y Barbara Walker. A su lado, el trompetista Ralph Alessi y el saxofonista Jon Irabagon, dos vientos poderosos con los que la aventura está asegurada. Para dotarle a la experiencia de una sonoridad especial, Uri Caine ha dispuesto el concurso de Joyce Hammann al violín, y completando la sección rítmica, dos de sus colaboradores habituales, el contrabajista Mark Helias y el baterista Jim Black. Una formación de altos vuelos, vaya.

El jazz se inventa tocando y se toca inventando. Es lo que hace grande a esta música que se renueva incluso cuando queda atrapada en un disco o una partitura. Nunca suena igual, siempre distinta. A Uri Caine poco le importan los materiales sobre los que ha de trabajar, porque él los moldea con un sentimiento creativo en constante ebullición. La particularidad de la obra maestra de Gershwin ofrece todas las garantías para esa búsqueda del hallazgo, pues ya en la propia partitura habitan numerosos sentimientos musicales. Pero que nadie se lleve a engaño: el mérito de este filósofo del jazz no reside en la cantidad de músicas que mueven su corazón, sino en la capacidad de tocarlas todas a la vez, en un mismo fraseo, en prácticamente una sola nota.

Uri Caine es una de las mentes más privilegiadas y creativas de nuestro jazz, pero al contrario que muchos de sus compañeros jazzistas a él le gusta más pensar que sentir, o al menos, le concede igual importancia a ambas circunstancias. Es por eso que se siente cómodo en la relectura de una obra de cabecera como la que ahora acerca a este auditorio, prolongada al formato discográfico hace unos cuatro años: la ocasión de revivir el álbum en directo se antoja única y… privilegiada.

Conciertos de Pascua: Fagot

Género: Concierto

Local: Auditorio Sony

Profesor pianista acompañante: Juan Barahona Yépez

Programa:

Antonio Vivaldi (1678-1741) 

Concierto para fagot, cuerdas y bajo continuo en do mayor RV 472 F VIII,17 

I. Allegro non molto 

II. Andante molto 

III. Allegro

Intérpretes: 

Héctor Cámara Ruiz, Viola

Mon-Fu Lee Hsu, Violín

Paula Mejía España, Violín

Patricia Sánchez Sánchez, Fagot

Jorge Toledo Rodríguez, Contrabajo

Alejandro Viana Herreros, Violonchelo

Camille Saint-Säens (1835-1921) 

Sonata para fagot y piano en sol mayor op 168

I. Allegro moderato 

II. Allegro scherzando 

III. Molto adagio/ Allegro moderato

Intérprete: Miguel García Fernández, Fagot

Marcel Bitsch (1921-2011) 

Concertino para fagot y piano

Intérprete: Jesús Viedma Molina, Fagot

Carl Maria von Weber (1786-1826)

Concierto para fagot y orquesta en fa mayor J 127 op 75

I. Allegro ma non troppo 

II. Adagio 

III. Rondó: Allegro

Intérprete: Erney Vargas Barboza, Fagot

Robert Schumann (1810-1856)

Fünf Stücke im Volkston (Cinco Piezas populares) para violonchelo o violín y piano op 102 (versión para fagot y piano)

I. Mit humor 

II. Langsam 

V. Stark and markirt

Intérprete: Andrea Rosario Pérez Pérez, Fagot

Antonio Vivaldi (1678-1741) 

Concierto para fagot, cuerdas y bajo continuo en la menor RV 497 F VIII,7

I. Allegro molto 

II. Andante molto 

III. Allegro 

Intérpretes: 

Raquel Areal Martínez, Violín

María Bernal Sandoval, Fagot

Patricia Cordero Beltrán, Violín

Montserrat Egea Tapetado, Violonchelo

Noemí Fúnez Palencia, Viola

Erick Martínez Olivo, Contrabajo

Conciertos de Pascua: Oboe

Género: Concierto

Local: Auditorio Sony

Profesora pianista acompañante: Alina Artemyeva

Programa:

Johann Sebastian Bach  (1685-1750)

Partita para flauta en la menor BWV 1013 (versión para oboe)

I. Allemande 

II. Corrente 

III. Sarabande 

IV. Bourrée

Intérprete: Carlos Andrés Lafarga, Oboe

Francis Poulenc (1899-1963)

Sonata para oboe y piano FP 185

I. Élegie 

II. Scherzo 

III. Déploration

Intérprete: Yeimi Esperanza Leguizamón Garzón, Oboe

Antal Dorati  (1906-1988)

5 Piezas para oboe solo

I. La cigale et la fourmie (d'après Lafontaine) 

II. Lettre d’amour 

III. Fugue à troix voix 

IV. Berceuse 

V. Légerdemain

JIntérprete: uan Bautista González Montero, Oboe

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)

Sonata para flauta en la menor W 132 H 562 (versión para oboe)

I. Poco adagio 

II. Allegro 

III. Allegro

Intérprete: Jesús Ernesto Torres Monge, Oboe

Clara Schumann (1819-1896)

3 Romanzas para violín y piano op 22 (versión para oboe y piano)

I. Andante molto 

II. Allegretto 

III. Leidenschaftlich schnell (Apasionado)

Intérprete: Carlos Andrés Lafarga, Oboe

Wolfgang Amadeus  Mozart (1756-1791)

Cuarteto para oboe, violín, viola y violonchelo en fa mayor K 370

I. Allegro 

II. Adagio 

III. Rondó - Allegro

Intérpretes:

Lara Albesano, Viola

Diana Poghosyan Mirzoyan, Violín

Inmaculada Veses Gil, Oboe

Alejandro Viana Herreros, Violonchelo

Trance

Género: Jazz
Local: Auditorio Nacional
Interpretes: 
Chucho Valdés, piano
Gonzalo Rubalcaba, piano

Información adicional:

En abril del año pasado, en el Gran Teatro de La Habana y con motivo del Día Internacional del Jazz, se citaban dos monumentos pianísticos de la modernidad jazzística cubana, el histórico Chucho Valdés y el imprescindible Gonzalo Rubalcaba. Los asistentes tuvieron el privilegio de contrastar los distintos ‘pianismos’ que atesora la pareja, tanto el que prende en el folclore y la música popular isleña del primero, como el que echa raíces en una música más cosmopolita e internacional del segundo. No se trataba de analizar el encuentro desde la perspectiva alumno-maestro, ya que en algunas fases de sus respectivas vidas profesionales los roles se han intercambiado sin pudor; Chucho, heredero del teclado maestro de su padre Bebo, colocó los cimientos del nuevo jazz cubano cuando fundó esa banda cardinal que es Irakere, más luego ha hecho música grande y abierto caminos estéticos insospechados como líder de sus variados proyectos. Gonzalito, Gonzalo, decidió pisar el suelo natural del jazz en Estados Unidos, siendo reclamado por jazzistas de ley como el contrabajista Charlie Haden, con que el que probablemente consiguió dar la vuelta al mundo dos veces. Esto es: las sensibilidades pianísticas de ambos han marcado el rumbo y la dirección de buena parte de las últimas generaciones de jazzistas cubanos, contemplándose y reconociéndose tanto el uno como el otro.

Hoy aquel diálogo sobre suelo habanero descubre una prolongación discográfica feliz, Trance, un mano a mano en el que la pareja da vida a las distintas estéticas del ‘pianismo’ cubano, tanto el que atraviesa el jazz sin cortapisas como el que se reinventa desde el folclore tradicional. Hay en todo caso en este mano a mano un acertado interés en dotar al repertorio de una espiritualidad decididamente cubana, conectada en muchas ocasiones con la tradición yoruba, que en Cuba, como en Brasil, descubre su mejor hogar. Y es precisamente esa búsqueda y capacidad para encontrar la emoción elevada lo que distingue y enriquece a la reunión, pues técnicamente no caben adjetivos para describir las audacias rítmicas y armónicas como pianistas.

Hace tiempo que los aficionados al jazz y, en concreto, al jazz cubano, ansiaban este encuentro. «Conozco al padre de Gonzalo y conozco a Gonzalo desde que era niño», ha señalado Chucho. «Este es un dúo formado por dos pianistas que tienen una relación histórica dentro de la tradición del piano cubano; se creó de forma muy natural, los dos pianos suenan como uno».

Por su parte, Rubalcaba ha afirmado: «Habría sido fácil escoger algunos estándares y salir y tocar, pero queríamos hacer algo especial. Ambos hemos escrito música para dos pianos e imaginado una música que va desde el popular y clásico repertorio cubano a Monk». 

Se anuncia, pues, un recital donde se van a oír todos los pianos de Cuba, en dos de sus voces instrumentales más relevantes en toda la historia del jazz cubano, dos maestros que se niegan a perder esencias por el camino, por más que transiten por las principales sendas del jazz internacional.

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TERENCE BLANCHARD E-COLLECTIVE

Género: Jazz
Local: Auditorio Nacional
Interpretes: 
Terence Blanchard, trompeta y teclados
Charles Altura, guitarra
Taylor Eigsti, piano y teclados
David ‘DJ’ Ginyard Jr., contrabajo
Joseph ‘Joe Blaxxx’ Grissett, batería
Tondrae Kemp, voz

Información adicional:

Hoy el jazz se aprende en conservatorios, a golpe de un clic vía web o clases magistrales paralelas a la formación académica. Antaño, no obstante, cuando el género empezó a salir de los guetos y tomar los escenarios de los principales escenarios y salas de conciertos, no había mayor escuela para un jazzista que una big band, una orquesta; aquellas formaciones eran las verdaderas universidades para los músicos, de las que también salían con el oficio aprendido, algo que no se enseña en clase… Resulta curioso que el músico que hoy visita este ciclo, aun a pesar de su joven —si se nos permite— edad, se formara en las maquinarias orquestales de Lionel Hampton y Art Blakey, pero habida cuenta de cómo pisa un escenario ya da buena medida de su altura como jazzista. Y, efectivamente, al trompetista Terence Blanchard (Nueva Orleans, 1962) sólo hay que verle cómo se mueve para entender que su soplo está lleno de sabiduría y conocimiento. En este tiempo le ha dado personalidad a su sonido desde el lenguaje postbop hasta la composición cinematográfica, siendo como es autor favorito del cineasta Spike Lee desde la película Jungle Fever (1991); en el medio, alguna aventura irreverente, guiños a la música clásica, mucho espíritu de blues… e incursiones en el universo eléctrico del jazz-funk. Es a este último costado jazzístico al que Terence Blanchard está entregado en los últimos meses, apoyado en el proyecto E-Collective, que bebe de las electricidades de bandas emblemáticas del jazz-rock como Weather Report de Wayne Shorter y Joe Zawinul, o los Head Hunters de Herbie Hancock, sin olvidar —no podía ser de otra manera— al Miles Davis de los últimos años de su carrera.

E-Collective cuenta en el mercado con el disco Breathless (2015), grabado en el prestigioso sello Blue Note en compañía de buena parte de los músicos que ahora le acompañan en gira, el guitarrista Charles Altura, el pianista y teclista Fabián Almazán, el contrabajista David Ginyard Jr. y el baterista Oscar Seaton. Además de la voz protagónica de la trompeta, conviene resaltar el concurso de Charles Altura y, sobre todo, por su presencia en todos los tramos de las composiciones, de Fabián Almazán. La estética eléctrica de la banda llega habitualmente desde el teclado de este pianista cubano residente en Miami y al que ya le habíamos visto incrustado en los proyectos de otros trompetistas con personalidad singular, Christian Scott y Ambrose Akinmusire.

La propuesta de Terence Blanchard en este momento de su carrera tiene una clara estructura: solos de gran virtuosismo técnico entre latigazos eléctricos con alma funky y rockera, al estilo del más genuino Miles Davis de discos con mayor alcance de público como Tutu o Amandla; batallas jazzísticas donde la música puede tomar las pistas de baile o mover las caderas más resistentes. No obstante, habrá jazz para todos los gustos, pues el trompetista de Nueva Orleans es un intérprete enciclopédico con un gran respeto por la tradición; esto es, un intérprete sin trampa ni cartón.

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Órgano en Sán Ginés

Género: Concierto

Local: Iglesia de Sán Ginés

Organista: Thomas Dahl

Programa:

Johann Sebastian Bach (1685-1750) 

Ricercar a 6. Ofrenda Musical, BWV. 1079 (Transcripción: Jean Guillou)

Johannes Brahms (1833-1897) 

Preludio-coral Herzlich tut mich erfreuen, Op. 122 Nr. 4

Dietrich Buxtehude (1637-1707)

Preludio en mi menor, BWV 142

Jean Guillou (1930)

Säya ou l’Oiseau bleu. Op. 50, 1993.

Thomas Dahl (1964)

Improvisación (sobre Pange Lingua)

Max Reger (1873-1916)

Fuga en re mayor, de la Symphonische Fantasie und Fuge. Op. 57/2, 1901

Información adicional:

Thomas Dahl nacoió en 1964 en Tönning (Alemania). Desde 1996 es el músico principal músico de la iglesia St. Petri de Hamburgo.

Su formación musical incluye estudios de  música sacra, composición, musicología, pedagogía musical y órgano en Hamburgo, Stuttgart, París y Chicago con los maestros Heinz Wunderlich, Jon Laukvik, Willibald Bezler y Daniel Roth. Completó su aprendizaje con Wolfgang Rübsam y Jean Guillou. Hasta 1996 fue titular de la Iglesia de la Trinidad  y director del Coro de Cámara de Aquisgrán.

Ha sido ganador de varios concursos internacionales de improvisación de órgano y realizado numerosos programas radio y grabaciones de CD con obras de órgano. Concertista habitual en los grandes espacios organisticos destacan sus conciertos en Notre-Dame de Paris, la Catedral de Colonia y la Abadía de Westminster en Londres.

Conciertos de Pascua: Clarinete

Género: Concierto

Local: Auditorio Sony

Profesora pianista acompañante: Patricia Araúzo

Programa:

François Devienne (1759-1803)

Sonata para clarinete y piano núm.1 en do mayor

II. Adagio

II. Rondó: Allegretto

Intérprete: José Pinto

Jules Semler-Collery (1902-1988)

Fantaisie et danse en forme de Gigue

Intérprete: Natacha Correa

Carl Maria von Weber (1786-1826)

Concierto para clarinete núm.1 en fa menor op.73

III. Rondó. Allegretto

Intérprete: Seungju Mun

Jean Françaix (1912-1997)

Tema con variazioni para clarinete y piano

Intérprete: José Viana

Camille Saint-Säens (1835-1921)

Sonata para clarinete y piano en mi bemol mayor op.167

I. Allegretto

IV. Molto allegro

Intérprete: Ángel Martín

Carl Maria von Weber (1786-1826)

Concertino en mi bemol mayor op.26

Intérprete: Ferran Arbona